O terror, a ficção científica e a fantasia são os gêneros protagonistas da Crash – Mostra Internacional de Cinema Fantástico. O festival começa nesta quinta-feira (12) no Cine Cultura com uma programação que envolve exibições de filmes, mostras especiais, oficinas, masterclasses e debates sobre audiovisual. A agenda inclui produções de diversos países, como Alemanha, Suíça, Reino Unido e Estados Unidos.Em sua 11ª edição, a mostra joga o holofote no crescimento e na valorização do cinema fantástico, com debate sobre produção e direção de filmes focados na fantasia e no terror. Para a abertura, nesta quinta-feira (12), às 19h30, o festival exibe o longa-metragem Sem Retorno, da diretora goiana Rosa Berardo. Na produção, o protagonista se perde no interior de Goiás e acaba vivendo uma distopia entre sonho e realidade. O elenco é formado por nomes como Gustavo Duque e Bellatrix Carrijo.A programação de abertura ainda conta com a apresentação de nove curtas-metragens nacionais, como Brasil 2020, de Petter Baiestorf, A Bicicleta, de Milena Ribeiro, Guará, de Fabrício Cordeiro e Luciano Evangelista, A Manicure, de Marina Stuchi, e Contra-Filé, de Pedro Iuá. Todos os filmes mesclam os gêneros do horror e realismo fantástico em suas narrativas.Até domingo, passam pelo Cine Cultura longas internacionais convidados ao lado de curtas nacionais, além de produções goianas. Entre os destaques regionais, estão a animação A Última Encruzilhada da Terra, de Fabrício de Castro, e O Parque, de Fernanda Simmonds. As duas obras comprovam a boa safra do audiovisual realizado no Estado com foco em diversos gêneros cinematográficos.Com intercâmbio com diversos países, além de filmes nacionais de outros Estados, a Mostra Crash ainda exibe longas-metragens convidados, com a presença de equipe e diretores dos filmes, como a produção paraibana Batguano, de Tavinho Teixeira, e o esloveno The Curse of Valburga, de Tomaz Gorkic. O encerramento da mostra será com o filme O Cérebro de Ulrike, do alemão Brune LaBrune.CartazComo forma de manifestação contra a retirada dos cartazes dos filmes nacionais da sede da Agência Nacional de Cinema (Ancine), a mostra Crash promove uma oficina de serigrafia fantástica. Durante o encontro, o designer Jotape fará aulas práticas e gratuitas sobre procedimentos básicos de impressão de cartazes, além de conceitos de design aplicados a cartazes de cinema de gênero. O curso será realizado amanhã, no Studiartista, localizado no Setor Sul. A agenda ainda inclui outras oficinas e debates realizados até o encerramento do evento.<div attr-cid="policy:Image_1.1951703" attr-version="policy:Image_1.1951703" class="p-smartmidiabox">-<a class="p-smartembed" data-onecms-id="policy:Image_1.1951703" data-onecms-type="image" href="javascript:window.parent.actionEventData({$contentId:'Image_1.1951703', $action:'view', $target:'work'})" polopoly:contentid="policy:Image_1.1951703">Imagem (Image_1.1951703)</a></div>

Cine Cultura sedia a 11ª Crash - Mostra Internacional de Cinema Fantástico

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De dentro da nave, o cientista rebola, mostra o muque, e faz uma dancinha. Uma criatura de pedra que vem lá de fora, do espaço sideral, imediatamente repete os movimentos. Nasce aí a amizade improvável que guia Devoradores de Estrelas, novo filme protagonizado por Ryan Gosling, o Ken dançarino de Barbie e galã do musical La La Land: Cantando Estações, que estreia nesta quinta-feira (19), nos cinemas goianos.Aqui ele interpreta Ryland Grace, professor de ciências que é levado para uma missão suicida no céu a fim de encontrar um jeito de salvar o Sol da morte iminente. A certa altura, o homem se depara com um alien de corpo rochoso que apelida de Rocky, brincadeira com “rock”, que significa pedra em inglês. À deriva, eles criam uma relação inabalável como uma rocha, e tentam descobrir como recuperar a energia que alimenta seus planetas.O filme põe Gosling para interpretar mais um herói meio abobado, o que parece ter virado a tônica de sua carreira. Fez isso no boneco Ken, há três anos, e depois na comédia O Dublê, de 2024, em que vive um dublê azarado que precisa salvar a carreira em meio a conspirações absurdas.Gosling aprendeu na marra a valorizar o bom humor quando, no começo, era censurado por se abrir ao cômico. “Fiz muitos filmes independentes, e, sempre que algo engraçado acontecia, eles cortavam e diziam ‘vamos repetir’. Existia o sentimento de que coisas engraçadas não podem acontecer em meio ao drama”, conta ele em entrevista.Gosling discorda dessa ideia e por isso topou Devoradores de Estrelas. Quando leu o livro que inspirou o filme, enxergou ali potencial para fazer rir, e chorar também, exatamente o que diz almejar hoje no cinema. Sem estragar a surpresa da história, após as interações desengonçadas, humano e alienígena embarcam em uma jornada de sobrevivência mais grave, com entradas de flashbacks que revelam traumas e dores.Gosling lança Devoradores de Estrelas para reforçar seu status de astro do cinema blockbuster, muito distante dos filmes autorais que o puseram no centro da órbita nos anos 2000. Naquele momento, em início de carreira, Gosling era visto só como ator do circuito independente americano, ideal para personagens estranhos, deslocados, quebrados.“Tive a sorte de tudo acontecer de forma gradual”, diz ele. “Comecei nos programas de televisão, fiz filmes independentes e só depois os maiores. Tive tempo para me ajustar.”Em 2007, por exemplo, foi indicado ao Oscar de melhor ator por Half Nelson: Encurralados, em que faz um professor viciado em crack. No mesmo ano, lançou A Garota Ideal, sobre um rapaz que se apaixona por uma boneca, só que de um jeito esquisito, sem a graça de Barbie, que mudaria a sua vida 16 anos depois.Gosling só decolou quando protagonizou Drive, de 2011, filme de ação que virou uma espécie de cult contemporâneo. Embora pouco fale no longa, Gosling marcou o imaginário com o motorista caladão de jaqueta branca que, ironicamente, é um dublê de Hollywood, prenúncio de outro personagem que Gosling faria à frente, só que também de forma mais escrachada, em O Dublê.Cinco anos depois, veio La La Land e, ao lado de Emma Stone, com quem já tinha trabalhado, Gosling fez um casal apaixonante, em meio a cenários de Hollywood, que o tornou estrela de vez na Hollywood da vida real.O filme quase-vencedor do Oscar numa das trapalhadas mais memoráveis da premiação rendeu a ele mais uma indicação a Melhor Ator, a habilidade de sapatear e cenas de cantoria que vão marcar para sempre a sua carreira.Mas não mais que a de Barbie. Em I’m Just Ken, Gosling mostra o peitoral e o tanquinho enquanto entoa as angústias do personagem que cansou de ser só um rostinho bonito. Virou uma das cenas mais comentadas do filme de Greta Gerwig, e levou o ator ao palco do Oscar num terno rosa para apresentar a canção. Gosling terminou a performance aplaudido de pé pela nata de Hollywood.Talvez por causa desse jeito desinibido, Andy Weir tenha pensado que Gosling faria bem as palhaçadas do cientista de Devoradores de Estrelas. Escritor do livro que inspirou o filme, Weir enviou ao ator uma prova antecipada da obra, antes de ela ser publicada, em 2021. O livro saiu no Brasil pela editora Suma.Além de protagonista, Gosling é produtor do longa. Diz que entrou no cargo porque queria escolher a equipe, tipo de exigência que atores costumam passar a ter conforme a indústria dá mais moral a eles. Ele chama de “evolução natural”. “Montar o time é essencial quando há a responsabilidade de adaptar um livro como esse”, diz.Era importante também que o ator conseguisse contracenar com uma pedra. O protagonista tinha de ser alguém de química fácil o que Gosling aparentemente conseguiu rápido com Emma Stone, Margot Robbie e Emily Blunt. Tudo cooperou, então, para que ele ficasse com o papel principal.Mas não há nada de romântico na relação entre Grace e Rocky, claro. Ela na verdade lembra o que Steven Spielberg fez em E.T. - O Extraterrestre.Numa das cenas de Devoradores de Estrelas, homem e alienígena aproximam os punhos - se é que dá para chamar pedra de punho - no que pode ser interpretado como uma alusão à cena em que o garoto Elliott toca nos dedos do colega de outro planeta.Os diretores do filme, Phill Lord e Chris Miller, dizem que não estavam tentando imitar Spielberg, mas que acabaram viajando até o filme dele, sim, e que foi difícil evitar semelhanças. “E.T. foi o primeiro filme que me fez chorar”, diz Miller.Rocky é mais fofo e espevitado que o alienígena de Spielberg, e age como um pet, com movimentos que lembram um cãozinho sapeca. Para dar forma ao personagem, a equipe construiu um animatrônico, pôs efeitos especiais por cima na hora da edição e ainda contratou um ator, James Ortiz, para que Gosling não precisasse forçar risos e choros diante de um objeto inanimado.Os diretores dizem ter exigido que Ortiz interpretasse com ar de superioridade, emulando um cliente impaciente num restaurante, não alguém à espera de carinho. Talvez não tenha saído do jeito que eles esperavam.

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Ryan Gosling está à deriva em uma espaçonave em 'Devoradores de Estrelas'

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Uma aventura espacial

Amanda Seyfried, 40, não sabia muito sobre os shakers, os adeptos do movimento religioso criado em meados do século 18, até ser apresentada ao roteiro de O Testamento de Ann Lee. O filme, dirigido por Mona Fastvold e estrelado por ela, estreia nesta quinta-feira (12) nos cinemas de Goiânia e Aparecida.“Eu só tinha ouvido falar de móveis no estilo shaker”, comenta a atriz. “E olha que eu cresci razoavelmente perto de vários museus e assentamentos shakers. Mas não fazia ideia de que todo esse movimento havia sido criado por uma mulher chamada Ann Lee. Não aprendemos isso na aula de história.”Ann Lee, no caso, é uma das fundadoras da Sociedade Unida dos Crentes na Segunda Aparição de Cristo, e sua primeira líder. Seus seguidores ficaram conhecidos pelo êxtase manifesto em danças e transes nos cultos, durante os quais pareciam estar se tremendo (daí o nome “shakers”, algo como “tremeliquentos”).O filme acompanha a trajetória de Ann desde criança, mas foca a criação do movimento e sua mudança da Inglaterra natal para os Estados Unidos, em um período em que não era comum ter uma mulher à frente de nada, quanto mais de uma igreja.“Eu não sou religiosa, mas acho que entendo como a necessidade e o desespero podem fazer você querer fazer parte de algo”, afirma Seyfried. “Porque o sofrimento ou o medo fazem você se sentir sozinha, e um grupo de pessoas dizendo que vai te levar para a luz através da adoração de uma pessoa específica, é tão atraente. É completamente intoxicante.”Ela conta que, durante a preparação, precisou entender a personagem para conseguir se conectar com algo que considerava tão distante de sua vida atual. “Tive que me apaixonar primeiro, que é o que eu faço com quase todas as minhas personagens para retratá-las da forma que acho que merecem, sejam boas ou más”, diz.Assim, ela tem uma visão própria a respeito do movimento, que é visto por muitos como uma seita. “Não é uma seita de jeito nenhum porque não é motivado por nada além de amor, compaixão e irmandade”, avalia a atriz. “Na essência, Ann é uma mãe querendo nutrir e criar espaço para as pessoas criarem uma comunidade. Acho que é a coisa mais fácil de se conectar. É algo muito bonito.”Ainda que tenha achado pontos em comum, Seyfried diz acreditar que não teria muito sucesso se seguisse os passos da retratada. “Eu não seria uma boa líder espiritual”, comenta. “Eu nunca quero tomar o tempo de ninguém (risos). E, na vida, ainda estou mais na defensiva do que na ofensiva, de algumas formas que nem queria estar.”Os shakers também ficaram conhecidos pelos hábitos puritanos, que incluíam celibato total -o sexo não era permitido nem para a procriação. “Ela acreditava no celibato de uma forma que 99,9% das pessoas provavelmente não acredita”, admite a atriz. “Mas isso não é uma falha. É apenas a forma dela de dizer que o celibato parece mais seguro. Porque ela sentia que o sexo trazia sofrimento, já que foi isso o que aconteceu com ela.”Na trama, isso aparece desde a infância, quando Ann é castigada após ter flagrado os pais transando, até a vida adulta, com a perda traumática dos filhos. Esse aspecto da vida da líder espiritual foi um dos que mais surpreendeu a atriz.“Ela tinha uma sexualidade, nós a retratamos tendo uma sexualidade antes de renunciar ao sexo”, destaca. “Mas acho que foi surpreendente o quanto ela era devotada ao marido e como esse relacionamento continuou depois de claramente os dois não estarem mais na mesma página.”Seyfried também diz considerar “insano” o fato de Ann ter conseguido criar, naquela época, essa utopia em que todos deveriam se amar igualmente e na qual houve o entendimento de que ela, uma mulher, não era propriedade do marido. “E ela simplesmente reuniu tantos seguidores”, admira-se. “Me impressiona demais que tudo isso tenha vindo de uma mulher.”Para a atriz, interpretar alguém assim é uma experiência que dificilmente se repetirá em sua carreira. “Foi o papel de uma vida”, analisa. “É muito único. Não acho que vai acontecer de novo para mim, porque além de tudo eu canto. E vocês sabem que eu amo um musical.”Ela diz que o fato de ter precisado aprender outro sotaque e outra forma de cantar, sem muitas referências auditivas da época, transformou a forma como ela encara seu lado musical. “Não sou a mesma musicista que eu era antes de fazer o filme”, afirma. “Uma parte do meu ego simplesmente foi embora. Eu não estou mais atenta a como eu soo, mas mais sentindo o que quer que seja que eu estou cantando e tocando. É uma loucura.”Após essa imersão, Seyfried quer dar uma relaxada sem necessariamente pausar. “Depois de viver a Ann, estou desenvolvendo uma comédia porque eu preciso desesperadamente (risos)”, brinca. “Embora eu deva dizer que Ann é muito engraçada e absurda às vezes, e a gente viveu nessa leveza.”“Mas, sim, é bom variar”, comenta. “Você não quer que todo trabalho seja sempre igual. Não quero ficar constantemente interpretando a mim mesma, ainda que eu esteja em cada personagem. É só que às vezes estou 30%, e outras vezes 80%.”

'O Testamento de Ann Lee' estreia nesta quinta-feira (12) nos cinemas

Jornada de fé 

Não é à toa que os clássicos são clássicos. Obras que atravessam gerações, séculos, que ganham interpretações bem diferentes no decorrer do tempo em comparação de quando foram escritas. Livros que parecem estar impregnados no nosso imaginário, retornando o tempo todo para nos lembrar que, sim, são fundamentais. E se há uma arte que sabe muito bem disso é o cinema. Na telona, as grandes obras literárias ganham outra vida, são apresentadas a vastos públicos, propõem novas leituras. E, claro, suscitam polêmicas. Toda adaptação de um livro para o audiovisual é um risco calculado, tendo chances de fazer estrondoso sucesso ou ser apedrejada como uma heresia. Ou as duas coisas ao mesmo tempo. E estamos com uma safra generosa de filmes que proporcionam esse debate.

Lançamento recente, a nova versão para o cinema de O Morro dos Ventos Uivantes, baseada no romance de Emily Brontë, tem dividido opiniões. Lançado em 1847, o livro é considerado uma das principais obras góticas do período vitoriano. Ao contrário do que muita gente pensa, várias vezes em razão das adaptações idealizadas ou mesmo um tanto melosas para a telona, não se trata de uma história de amor romântico. Na verdade, a trama é pauleira. Inclui uma série de elementos pesados, que vão de obsessões e tragédias, passando por necrofilia, xenofobia e racismo. A paixão entre o ambíguo e violento Heathcliff, um dos personagens mais complexos da literatura do século 19, e Catherine Earnshaw é uma sequência de enfrentamentos, rancores e atos impulsivos.

Para além do casal principal, as personagens secundárias são igualmente ricas, quebrando paradigmas em várias situações. O marido traído, a empregada fiel, herdeiros malditos, o funcionário humilhado, todos eles se encontram em um cenário inóspito – os ventos que uivam não são meras figuras de linguagem –, agindo de forma contraditória, amoral, fazendo o leitor sempre desconfiar de suas reais intenções e de seu caráter. Um livraço, em resumo. Ele seria tão grandioso assim que poderia não caber em duas ou três horas de projeção? Muitas adaptações parecem temer isso e enveredam por outros caminhos que, de alguma forma, amenizam diversos de seus aspectos. A nova versão, agora em cartaz, da diretora Emerald Fennell, aposta na faceta erótica da história.

Essa opção reavivou a velha rivalidade entre literatura e cinema nos momentos em que as duas expressões artísticas resolvem dialogar. O erotismo existe no livro de Brontë, mas não como principal linha narrativa. Ele ajuda a construir a psique dos personagens, mas aparece como um desejo obsessivo ou o retrato de uma ausência que tortura. Em contrapartida, a diretora, como vários antes dela, não enfrentaram algo crucial na trama: o fato de Heathcliff ter pele escura. Esse branqueamento do personagem está presente na nova versão, com o galã Jacobi Elordi interpretando o protagonista. Outros atores brancos viveram o anti-herói de Brontë, como Laurence Olivier, Richard Burton, Ralph Fiennes, Tom Hardy, Robert Cavanah, Jorge Mistral e Ian McShane. A exceção ficou por conta de James Howson.

Esse não é um mero detalhe. Na verdade, a discriminação que o personagem sofre é essencial para sua formação. Ele é excluído, visto como um estrangeiro, atacado desde a infância e tudo isso vai cultivar os sentimentos de vergonha e de vingança que vão repercutir nas suas ações, algumas extremadas, por toda a vida. A relação dele com a família Earnshaw também passa por esses traumas criados nessas experiências vividas desde o momento em que ele é encontrado no porto de Liverpool e levado para a famigerada propriedade de Wuthering Heights. Brontë não chega a definir sua origem, mas salienta que ele tem a pele escura e em alguns momentos é chamado de cigano. Em uma das adaptações, a de 1992, ele chega a assumir essa etnia, mas a pele não muda de cor.

Essa discussão sempre retorna quando uma nova adaptação de O Morro dos Ventos Uivantes surge. Uma das editoras que publicam a obra no Brasil, a Penguin/Companhia das Letras, reativou o debate em uma postagem em suas redes sociais. No seu perfil no Instagram, o selo editorial enfatiza esse ponto que continua a suscitar polêmicas. “Fosse indiano, chinês, romani ou negro, ele (Hathcliff) era visto como estrangeiro, como diferente, como a ameaça em uma terra (e em uma época) onde a branquitude era rainha e a escravização era a lei.” É interessante notar que Brontë situa a história em um período em que a escravidão ainda vigorava na Inglaterra, na primeira metade do século 19, sendo extinta no Reino Unido no período entre 1834 e 1838. A autora foi ousada também aí.

Todas as ressalvas que podem ser levantadas em relação à adaptação do livro pela diretora Fennell não são exclusividade sua. Um dos concorrentes ao Oscar deste ano é a versão de Frankenstein, dirigida pelo cineasta mexicano Guillermo del Toro, que afirmou que esse projeto era um sonho de infância. Por coincidência, a produção também conta com Jacobi Elordi no elenco, em mais uma adaptação de um romance gótico de uma autora inglesa: Mary Shelley. Ainda que tenha sido mais elogiado que a maior parte das numerosas transposições anteriores do clássico para o cinema, o filme não passou incólume. Alguns apontaram que Elordi era bonito demais para o papel, tirando a face monstruosa do ser criado com partes de cadáveres. Outros não gostaram de um certo glamour que o filme tem.

Mais um postulante à estatueta dourada de Hollywood é Hamnet, de Chloé Zhao, baseado no romance de Maggie O’Farrell, que não apresenta uma versão de um clássico, mas de um enredo que traz um dos principais personagens da literatura e do teatro universais para o centro da cena. É um mergulho nos possíveis bastidores da criação da peça Hamlet, de William Shakespeare, que teria motivos pessoais trágicos em sua construção. Já o livro que baseia outro concorrente ao Oscar, Uma Batalha após a Outra, de Thomas Paul Anderson, é o romance Vineland, do aclamado escritor Thomas Pynchon, numa leitura cheia de incursões pela contracultura e pelos sentimentos revolucionários de uma sociedade praticamente em convulsão. Anderson captou bem o espírito de Pynchon na adaptação.

E neste ano chega aos cinemas uma das mais aguardadas adaptações dos últimos tempos. Todos estão curiosos para conferir como será a leitura de Christopher Nolan para Odisséia, de Homero. Esse é um desafio digno da própria epopeia que acompanha os anos de retorno do herói Ulisses (ou Odisseu) depois de ter elaborado o artifício que propiciou a queda de Troia, fatos narrados em Ilíada, também de Homero. A idade dos atores já designados para certos papéis, as origens étnicas de alguns deles, os mistérios que cercam a superprodução, tudo isso tem atiçado a fantasia e a língua de quem já está disposto a criticar ou a elogiar o resultado final. Repetimos: não é à toa que os clássicos são clássicos. Há uma aura sagrada em torno deles e mexer com isso provoca reações apaixonadas.

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Grandes trunfos e enormes desastres

O cinema tem muitos casos de adaptações que deram certo e se tornaram, elas próprias, clássicos da telona, assim como verdadeiros desastres no desafio de transpor obras literárias para as salas de projeção ao redor do mundo. Dois fenômenos indiscutíveis foram as adaptações das sagas de Harry Potter, de J.K. Rowling, e de O Senhor dos Anéis, de J. R.R. Tolkien. Os imaginários criados nessas séries de livros, da Escola Hogwarts à Terra Média, foram fabulosamente reproduzidos e enriquecidos nas superproduções dedicadas a essas obras. O mesmo pode ser dito das Crônicas de Nárnia (pelo menos dos primeiros filmes), de C.S. Lewis, apesar de não ter obtido a mesma repercussão, uma vez que igualar a idolatria causada pelo bruxinho de óculos e pelos hobbits é quase impossível.

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Ao longo da trilogia 'O Senhor dos Anéis', dirigida por Peter Jackson, o Hobbit Frodo foi vivido por Elijah Wood (Divulgação)

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Alguns filmes ficaram até mais famosos que os próprios livros. É o caso de O Poderoso Chefão, de Francis Ford Coppola, que construiu esse clássico do cinema sobre o romance homônimo de Mário Puzo, que também participou da adaptação do roteiro. Outro exemplo nesse sentido é Tubarão, produção capitaneada por Steven Spielberg e que se tornou uma referência em thrillers de suspense. Quase ninguém se lembra que há um livro que baseou o roteiro, chamado Jaws (ou Mandíbulas), de Peter Benchley. O mesmo Spielberg adaptou outros livros interessantes, como A Cor Púrpura, a partir do romance de Alice Walker, A Guerra dos Mundos, levando para o cinema o clássico de H.G. Wells, e Parque dos Dinossauros, que concretizou a ficção científica elaborada no livro de Michael Crichton.

Um autor muito adaptado para o cinema é Stephen King, com suas histórias de mistério e horror. Geralmente as adaptações dão certo porque o estilo do escritor favorece releituras, com cenas rápidas e personagens potentes. Um dos trabalhos mais lembrados é O Iluminado, de 1980, estrelado por um endemoniado Jack Nicholson. Cemitério Maldito, Louca Obsessão e a franquia It: A Coisa são outros sucessos nessa intersecção. Aliás, histórias de arrepiar costumam ser bem sucedidas quando levadas para a telona. Basta lembrar quantos filmes foram feitos a partir dos contos de Edgar Allan Poe ou com Drácula, o vampiro mais famoso da cultura pop criado por Bram Stoker. Eles podem ser bons, como Nosferatu, de Murnau, ou deixar a desejar, como o Drácula de Francis Ford Coppola.

Clássicos do porte de Moby Dick, de Herman Melville, ou Anna Kariênina, de Liev Tolstói, vira e mexe, são readaptados para o cinema. Os enredos, que ajudaram a moldar as formas da própria literatura, auxiliam na conquista de público em outras linguagens. Essas adaptações podem vir na forma de musicais, como aconteceu em 2012 com Os Miseráveis, de Victor Hugo, sob a direção de Tom Hooper, ou como dramas capazes de desidratar qualquer platéia, a exemplo de David Copperfield, de Charles Dickens, transformado em filme e séries algumas vezes. Também deram muito certo adaptações de obras do século 20, como O Nome da Rosa, de Umberto Eco, e Bonequinha de Luxo, de Truman Capote – quem não se lembra de Audrey Hepburn como a protagonista?

Outros projetos, porém, não foram tão felizes assim. A força do excelente livro A Casa dos Espíritos, de Isabel Allende, perdeu muito em sua adaptação feita por Bille August, em 1993. Personagens foram mesclados e uma geração inteira do romance foi suprimida no roteiro. Já o Amor nos Tempos do Cólera, de Gabriel García Márquez, que até contou com Fernanda Montenegro vivendo a mãe do protagonista interpretado por Javier Bardem, não empolgou o público. Há filmes que até conquistam a crítica, mas não as plateias. É o caso de Grandes Esperanças, de Alfonso Cuarón, baseado no clássico de Charles Dickens. Houve também adaptações equivocadas de Os Três Mosqueteiros, de Alexandre Dumas, e de vários títulos de Agatha Christie, Arthur Conan Doyle e Júlio Verne.

 
Clássicos em papel e na película

E O Vento Levou… – Maior bilheteria da história do cinema por décadas, o filme de Victor Fleming impulsionou o romance de Margaret Mitchell sobre a guerra civil nos EUA.

As Vinhas da Ira – Romance de proa de John Steinbeck, sua adaptação para o cinema foi outro grande acerto, sob a batuta de John Ford e com Henry Fonda como protagonista.

Doutor Jivago – O autor russo Boris Pasternak ganhou o Nobel de Literatura e não pôde recebê-lo por conta do regime soviético, mas o filme com Omar Sharif ficou na memória.

Um Bonde Chamado Desejo – Marlon Brando e Vivien Leigh estão eletrizantes nesse filme de Elia Kazan, adaptação da peça teatral de Tennessee Williams.

Saló ou os 120 Dias de Sodoma – O italiano Pier Paolo Pasolini coloca todos os demônios para fora neste que é seu último filme, baseado na obra polêmica do Marquês de Sade.

 
Nossas letras, nossa tela

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Cena do filme ‘Ainda Estou Aqui’, de Walter Salles, estrelado por Fernanda Torres e Selton Mello (Divulgação/Alile Dara Onawale)

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A literatura brasileira também é uma fonte inesgotável de inspiração para o cinema e alguns de nossos filmes mais representativos vieram das páginas de livros marcantes.

Dona Flor e Seus Dois Maridos – A produção de Bruno Barreto foi lançada em 1976 e segurou o recorde de maior bilheteira de nosso cinema por mais de três décadas. O romance de Jorge Amado já era um sucesso nas livrarias quando foi adaptado.

Gabriela – Outro livro de Jorge Amado que teve Sônia Braga como protagonista em sua adaptação foi Gabriela. A atriz já tinha conquistado o Brasil com o papel na novela da Rede Globo e repetiu a dose na telona, agora fazendo par com Marcello Mastroianni.

Vidas Secas – O drama da estiagem e da fome descrito por Graciliano Ramos num dos livros mais emblemáticos de nossa literatura foi para o cinema e conquistou o mundo. A adaptação de Nelson Pereira dos Santos concorreu no festival de Cannes.

Memórias do Cárcere – Nelson Pereira dos Santos voltou a adaptar uma obra de Graciliano Ramos ao filmar este volume de memórias, no qual o autor relata o período em que ficou preso na Ilha Grande durante a ditadura Vargas. Carlos Vereza é o protagonista.

Macunaíma – Joaquim Pedro de Andrade, ao levar ao cinema o clássico do Modernismo escrito por Mário de Andrade, escalou Grande Otelo para o papel principal. Uma das cenas mais icônicas é a de seu parto, com Paulo José vivendo a mãe do protagonista.

Os Sertões – Em 1997, o grande conflito no interior da Bahia ocorrido no final do século 19 e descrito no livro de Euclides da Cunha chegou à telona pelas mãos de Sérgio Rezende. Foi uma superprodução na retomada de nosso cinema, filmada na própria Canudos.

Lavoura Arcaica e Um Copo de Cólera – Os dois únicos romances de Raduan Nassar foram adaptados para o cinema, o primeiro por Luiz Fernando Carvalho e o segundo por Aluizio Abranches. Filmes de baixo orçamento, mas que captaram a intensidade dos livros.

Cidade de Deus – O romance de Paulo Lins era um grande desafio para qualquer roteirista. A imensa quantidade de personagens e o longo período de tempo abordado na trama não intimidaram o diretor Fernando Meirelles. Sucesso de público e 4 indicações ao Oscar.

Ensaio Sobre a Cegueira – Essa produção internacional, também comandada por Fernando Meirelles, foi assistida e aprovada pelo autor do livro na qual é baseada, José Saramago. No elenco, estrelas de Hollywood, como Julianne Moore e Mark Ruffalo.

Abril Despedaçado – Em 2001, o diretor Walter Salles fez sua leitura do romance do escritor albanês Ismail Kadaré. Ele transporta a ação para o interior do Nordeste, contando com a excelente interpretação de Rodrigo Santoro para contar aquela história de violência.

Ainda Estou Aqui – O filme que trouxe o primeiro Oscar para o Brasil é uma adaptação do livro de mesmo nome, de Marcelo Rubens Paiva. A história de Eunice Paiva, mãe do autor, também rendeu o Globo de Ouro de Melhor Atriz em Drama para Fernanda Torres.

Ninho de Periquitos – Um dos melhores contos do volume Tropas e Boiadas, do autor goiano Hugo de Carvalho Ramos, foi adaptado sob a direção de Wilmar Ferraz. O ator Chico Diaz interpreta o sertanejo que precisa tomar uma decisão drástica para se salvar.

O Tronco – O romance histórico escrito por Bernardo Élis, único autor goiano a ingressar na Academia Brasileira de Letras, foi adaptado pelo cineasta João Batista de Andrade. O conflito sangrento que a história conta foi filmado em Goiás, com atores daqui e de fora.&nbsp;

Veias e Vinhos – O mesmo João Batista de Andrade transpôs para o cinema o romance de Miguel Jorge que retrata um dos crimes mais famosos e cruéis da história de Goiânia: a chacina da família Matteucci, quando um casal e 4 filhos pequenos foram assassinados.

A Enxada – Conto de grande poder simbólico escrito por Bernardo Élis foi transformado em filme por Iberê Cavalcanti, com Lucélia Santos e Stepan Nercessian no elenco. A narrativa mostra a opressão contra trabalhadores rurais, iconizada no seu instrumento de trabalho.

As Tranças de Maria – Uma das obras mais bonitas de Cora Coralina, ela foi adaptada para o cinema por Pedro Carlos Rovai, com roteiro de Miguel Borges. Patrícia França vive a protagonista da obra e as tomadas foram gravadas na cidade de Goiás.